BlackBoxEcho & Squarpusher || Damogen Furies World Tour

Show Design, Art Direction & System Programming: Zak Norman

Technical Supervisor:  Martin Harvey

Visual Programmers: George Toledo, Peter Sistrom of [namethemachine] vade

Projectionists : Rupert Dean, Abigail Portner

Black Box Echo have designed Squarepusher’s innovative and fully generative new visual system.

The algorithms use geographical and meteorological data on each location we visit to define the starting points for an entirely generative visual environment. The patches are then controlled in their evolution by the audio and midi data they receive live from Squarepusher during the performance. Only he can control their development throughout the set by his chosen interactions with his own machines.

It is truly a visual instrument – defined by data; driven by audio.

I wanted to create something that confronted the concept of fear. For myself, it was the fear of losing control of my environment. After giving the system some basic rules and parameters to work inside during pre-production, I surrendered my ability to control the output, rendering it fully dependent on the feeds it receives and how it processes them. Each performance can be interpreted differently, with a continuously developing level of sophistication.

I have relinquished control of the machine, for better or worse.

 

RAFAEL LOZANO-HEMMER || Sphere Packing


“Sphere Packing” is a series of 3D-printed pieces designed to concentrate the entire musical production of a composer in a single dense multi-channel device. The size of each sphere is directly proportional to how prolific the composer was, for example the sphere for Johann Sebastian Bach has 48 cm diameter and holds 1100 loudspeakers playing simultaneously Bach’s 1100 different compositions, while the sphere for Hildegaard Von Bingen only has 11 cm diameter and 69 loudspeakers. The project presents at a glance the comparative production volume of many composers. As people are a couple metres away from a sphere they hear a quiet murmur of sounds, but as they approach and put their ear up close to individual speakers they can hone in on specific compositions. The series is inspired by American composer Charles Ives’ practice of simultaneity as a compositional tool.

Technically, a set of custom-made circuit boards allow the simultaneous playback of thousands of separate sound channels. The spheres are modeled algorithmically and then 3D printed in different materials depending on the composer. Each piece is suspended from a small playback box which is hung from the ceiling of the exhibition space. The piece begins playback immediately upon powering the box with 110 or 220V power. A small remote control allows the curator or collector to set an appropriate volume for the piece, although the piece is very quiet by its very design, even at its maximum volume a sphere produces a din that can be heard from about a 3 m radius. To discern individual compositions the public must be right beside a sphere, 5 cm away.

The first five composers for the series are as follows:

Karlheinz Stockhausen – Aluminium composite 3D print, 203 channels of sound, 18 cm diameter, 3 Kg weight.
Richard Wagner – Glazed porcelain 3D print, 110 channels of sound, 13 cm diameter, est 3 Kg weight.
Hildegaard Von Bingen – Bronzed steel 3D print, 69 channels of sound, 11 cm diameter, est 3 Kg weight.
Wolfgang A. Mozart – White polymer 3D print, 565 channels of sound, 35 cm diameter, est 5 Kg weight.
Henryk Mikołaj Górecki – Dyed transparent polymer 3D print, 105 channels of sound, 13 cm diameter, est 3 Kg weight.

 

EtienneRey & Wilfried Wendling || SpaceOdyssey 2015

Document vidéo installation Space Odyssey / 2013-2015

RÉALISATION
Etienne Rey, artiste plasticien
Wilfried Wendling, Compositeur
Laurent Perrinet, Chercheur en Neurosciences à l’INT / AMU-CNRS
Julien Marro Dauzat, Ingénieur, Biogène

CO-PRODUCTION
Seconde Nature
La Muse en Circuit
CNRS / INT, Institut de Neurosciences de la Timone
Etienne Rey / Atelier des Ondes Parallèles

Installation immersive, Space Odyssey plonge le public au cœur d’un faisceau lumineux. Entre sculpture et architecture immatérielles, l’installation nous situe dans un espace où nos références deviennent mobiles, les distances élastiques, l’équilibre précaire.
Voyage stroboscopique au cœur de la matière lumineuse, la traversée de Space Odyssey, en référence au film de Stanley Kubrick, est un passage, un seuil sensoriel, mental et conceptuel qui se situe au confluent de la physique et des expérimentations sur la perception, poursuivant les travaux des protagonistes de l’art cinétique.

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Space Odyssey is an immersive installation that plunges the public into the heart of a light beam. Between immaterial sculpture and architecture, the installation places us within a space where our references become mobile, distances become elastic, balance becomes precarious.
The crossing of Space Odyssey, in reference to Stanley Kubrick’s movie, is a stroboscopic journey into the heart of bright material and a passage, a mental and abstract sensorial threshold. It is situated in the confluence of physics and perception experiments and continues works of kinetic art protagonists.

Etienne Jaumet & Félicie d’estienne d’Orve || Satori

Satori

Félicie d’Estienne d’Orves  et Etienne Jaumet.

2015

 

Le thème du satori abordé par Etienne Jaumet (Zombie Zombie) dans son dernier EP, paru en novembre 2011, rencontre les préoccupations de Félicie d’Estienne d’Orves qui vient de réaliser une sculpture et performance visuelle pour une diffusion du morceau de Iannis Xenakis, La légende d’Éer, abordant le thème de la mort et de la réincarnation.
Leurs créations se rejoignent autour d’univers qui architecturent des espaces sonores et visuels par l’abstraction et l’immersion du corps dans des installations et concerts : Etienne par ses sonorités “étendues” de synthétiseurs analogiques, et Félicie par une spatialisation cinématique de la lumière vidéo et de lasers. Le projet Satori aborde l’idée d’un basculement de perception du réel. La sculpture mise en scène est conçue comme une interface de transition, une frontière perméable entre deux réalités. Le spectacle aura pour objet de mettre en évidence ce passage et cette perméabilité.
Performance audiovisuelle spatialisée autour d’une sculpture scénique, Satori associe les sons analogiques d’Etienne Jaumet aux lumières tridimensionnelles et architecturales de Félicie d’Estienne d’Orves pour projeter le spectateur dans un espace-temps aux contours relatifs, où les sens ne se fixent plus. Dans son climax, l’esprit du satori se manifestera comme un vacillement cognitif, une apparition, dans une unité audiovisuelle et spatiale.

 

 

 

 

Tobias Ebsen || Poème Mécanique

L’artiste danois Tobias Ebsen présente Poème Mécanique une oeuvre sonore composée de 850 disques électromagnétiques assemblés dans un cercle  de 4m50 de diamètre suspendue en plein centre de la place Georges Emile Lapalme, sous la verrrière de la Place des Arts.

Cette pièce est une des 8 oeuvres multimédia et numérique présentées dans le cadre du Project Espace Commun?, une production du Quartier des Spectacles, l’ONF et de MUTEK. Le projet Espace Commun? nous questionne sur notre relation à nos espaces communs, public et privées à l’ère du numérique. Tobias Ebsen travaille avec subtilité une oeuvre minimale dans une espace de passage quotidien entre le bureau et la maison. Son oeuvre se ressent comme une pause douce et légère dans notre quotidien parfois trop pressé et bruyant.

Montréal constitue la première étape de ce parcours interactif international qui s’inscrit dans le vaste projet Human FuturesUne initiative qui vise à entamer un dialogue entre les villes, à l’échelle internationale.

Le projet global est le fruit d’une collaboration internationale entre plusieurs partenaires culturels, basés respectivement à Liverpool (Royaume-Uni), Aarthus (Danemark), Berlin (Allemagne), Vienne (Autriche) et Montréal (Canada). Ces différentes organisations commissionnent la production de nouvelles créations d’art publique, auxquelles les citoyens sont invités à participer.

Universal Everything || Sydney Opera House / Living Mural

A global animation project by Universal Everything, collaborating with over 20 different animation studios worldwide to create a living mural on one of the world’s most iconic buildings.

Embracing emerging technologies, Universal Everything’s process always starts from drawing. The hand drawn techniques seen in this film are akin to the early pioneers of animation Len Lye, Norman McLaren and Walt Disney.

Using these timeless techniques mean this film could have been existed in 1920, albeit with a 21st century twist – bringing our influences of global pop culture, modernist graphics and physics simulations into a playful exploration of this iconic building.

Creative Director: Matt Pyke
Animation Director: Chris Perry
Sound Designer: Simon Pyke / Freefarm – freefarm.co.uk
Producer: Greg Povey
On-Site Producer: Mic Gruchy – grup.tv

Commissioned by Sydney Opera House for VIVID 2015

Animation Sequences:

01, Block: Universal Everything –
02, Burst: Patch d. Keyes – patchdkeyes.co.uk/
03, Fill: Drew Tyndell – drewtyndell.com/
04, Chase: Tymote – tymote.jp/
05, Multiply: Nicolas Ménard – nicolasmenard.com/
06, Climb: Parallel Teeth – parallelteeth.com/
07, Rise: KClogg – kclogg.tumblr.com/
08, Twist: Matt Scharenboich – mattscharenbroich.com/
09, Wind: Váscolo – vascolo.com.ar/
10, Swarm: Universal Everything
11, Calm: Zutto – zuttoworld.com/
12, Float: Cindy Suen – cindysuen.tumblr.com/
13, Power: Masanobu Hiraoka – vimeo.com/user6065152
14, Slide: Ori Toor – oritoor.com/
15, Spin: Ori Toor
16, Wave: Váscolo
17, Construct: DXMIQ – dxmiq.com/
18, Growth: DXMIQ
19, Flow: Ruff Mercy – ruffmercy.com/
20, Scatter: Caleb Wood – vimeo.com/calebwood
21, Shrink: Bee Grandinetti – behance.net/grandinetti
22, Noise: Takcom – takafumitsuchiya.com/
23, Attack: MixCode – mixcode.tv
24, Boom: nöbl – nobl.tv
25, Bounce: Matt Abbiss – abbiss.co/
26, Ricochet: Matt Frodsham – mattfrodsham.com/
27, Splash: Guille Comin – guillermocomin.com/
28, Bang: Universal Everything
29, Embrace: Matt Frodsham
30, Melt: Caleb Wood
31, Stripe: Matt Abbiss

 

Leigh Sachwitz & Andi Toma || INSIDEOUT

Leigh Sachwitz (flora&faunavisions) shows her newest 360° multimedia installation INSIDEOUT: The house as our sanctuary, a safe haven to hide from nature’s forces. Leigh Sachwitz invites you to experience the rain drumming hard on the roof, watching through the window seeing dark clouds stacking up in the night sky. As the protecting walls disappear into the moonlight and the thunderstorm reaches its climax we feel naked – but purified by the light.

The sound design was created by the award-winning composer, musician and producer Andi Toma, who is one of the founding members of the breakthrough electronic music collaboration Mouse on Mars.

INSIDEOUT
Artist concept & Creation: Leigh Sachwitz
Motion Designer: Achilleas Gatsopoulos
Motion Designer: Fabian Tschöpl
Sound Designer: Andi Toma (Mouse on Mars)
Production Manager: Sanna Müller
Technical Director: Andreas Schwarzburger
Video Documentation: Miguel Martinez

 

D_FUSE || Tektõn – One Three


Tektõn One Three functions as a machine that prints light in space: A strip of LEDs is put in vertical motion by a motor, while the LEDs themselves are programmed with touch designer to emit sequences of light in horizontal patterns. In the relationship between these two directions of movement, between light transversing space and afterimage imprinted on the retina, various complex patterns emerge. Dots, lines and curves overlap to create traces of movement, light and dark, pattern and disorder, harmony and dissonance.

Tektõn is an ongoing collaboration between D-Fuse and Labmeta exploring the materiality and temporality of light in motion. Multi-layered light-emitting objects are organised into kinetic structures that are governed by algorithmic systems. As the mechanics of the devices are rendered invisible, traces of light remain. The fragile binaries of disorder and pattern, light and dark, harmony and disarray, human and machine become delicately balanced as they are stabilised in motion and ghost-like images hang in the air.

Studio Bruyant || CHROMA PERSPECTIO

Produite à l’occasion de l’exposition Capitaine Futur et le Voyage Extraordinaire à la Gaîté Lyrique (Paris), Chroma Perspectio est une installation interactive / jeu vidéo collaboratif.

C’est une expérience sociale jouable seul ou à plusieurs. A l’aide de lampes torches préparées les joueurs partagent le contrôle du jeu et explorent ainsi plusieurs mini-mondes. Pour résoudre les différentes énigmes du jeu, les joueurs doivent donc collaborer, se concerter et accorder leurs points de vues respectifs.

Concept/Design/Programmation/Sound Design: STUDIO BRUYANT

Musique Originale: (nit)

@EXPOSITION CAPITAINE FUTUR / GAITE LYRIQUE / 2014

Nonotak || DAYDREAM V.4

DAYDREAM est une installation audiovisuelle qui génère des distorsions dans l’espace visuel ce qui créer une illusion de décalage entre le temps et l’espace. Lorsque l’on s’approche très près de l’oeuvre, son aspect immersif permet à l’audience de se détacher en partie de la réalité et de plonger dans un espace virtuel.

plus d’infos ici : http://www.nonotak.com/

nonotak || daydream

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